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Erich Von Stroheim, un cineasta adelantado a su época

Erich Oswald Stroheim mejor conocido como Erich Von Stroheim fue un actor, director y productor cinematográfico nacido en Austria en 1885 y nacionalizado estadounidense. 

Él decía tener una ascendencia de nobleza austriaca, sin embargo se sabe que venía de una familia acomodada de comerciantes judíos. 

Estudió en la Academia Militar de Viena pero desertó en 1909 cuando emigró a los Estados Unidos. En 1914 inició su carrera en Hollywood para trabajar en sus primeros papeles y también como ayudante.

Su bagaje cultural respecto al ambiente militar le hizo tanto ascender pronto a ayudante de dirección como también personificar a malvados oficiales prusianos durante la Primera Guerra Mundial. El capitán Macklin (1914), de Jack Conway, supuso su debut como actor y su primer contacto con John Emerson.

Posteriormente conoció y trabajó con David Wark Griffith en El nacimiento de una nación (1915)  e Intolerancia (1916). De Griffith aprendió a dirigir rompiendo con los ideales de la época. Aunque posteriormente, en sus filmes, Von Stroheim rompió con las ideas de montaje de Griffith.

En 1923 dirigió Avaricia, un rodaje que duró más de nueve meses y otros seis de postproducción. El filme original dura nueve horas montadas por Von Stroheim personalmente. Sin embargo, el productor redujo todo el metraje a dos horas, saboteando su obra artística. Von Stroheim nunca quiso ver el resultado mutilado.

A Von Stroheim se le reconoce en gran medida por el perfil que construyó de personaje prusiano, un rostro inhumano, implacable y aristócrata frívolo, siempre interpretando la decadencia, la lujuria de la clase alta.

A inicios de los años treinta regresó a trabajar como actor, guionista y asesor. En 1937 actuó como el comandante Rauffenstein en el film de Jean Renoir La gran ilusión.

De ahí trabajó por un tiempo en Francia hasta que estalló la Segunda Guerra Mundial y entonces regresó a Estados Unidos, donde filmó Cinco tumbas al Cairo de Billy Wilder, entre otras. 

Posteriormente filmó de nuevo con Wilder, Sunset Boulevard (1950).

Falleció un día como hoy 12 de mayo, de 1957 en Maurepas, Francia.

Siempre lo recordaremos como un director innovador, adelantado a su época y con una visión peculiar de la vida y el mundo. 

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La herencia aristotélica en el guion cinematográfico

La industrialización y propagación del arte cinematográfico ha ocasionado que se generen diversos manuales y técnicas de escritura, que prometen que tu guion será el siguiente blockbuster.

Yo antes estaba en contra de esta industrialización porque con ello se logra la banalidad de este arte. Sin embargo, como todo medio de comunicación, se ha democratizado y esto ocasiona que se disponga al alcance de las personas y todo mundo intente recurrir a este arte. De la nada surgen muchos guionistas, cineastas y productores. Yo misma me considero entre esta nueva generación. Antes me estresaba ver que se reducía el cine a una serie de pasos con los que puedes lograr el éxito taquillero, pues para mí es un arte sagrado y como todo arte intentar hacerle reglas o manuales para crear obras se vuelve banal y pierde esa magia artística. No sé si me explico. Tal vez solo estaba loca.

Pero ya no lo veo así, la verdad es que el cine, como todo arte, requiere de técnica, de práctica, de tallerear guiones, de estudiar reglas y pasos para poder quizás romperlos como los grandes genios. Y entre los muchos recursos cinematográficos que han salido a la luz, tratando de iluminarnos a los pobres novatos que empezamos en este arte, la verdad es que como filósofa, me sorprende que muchos quieran regresar a clásicos escritos hace más de dos mil años. Y es que bueno, el cine apenas tiene un siglo y 24 años, ¿por qué siendo un arte tan innovador, tan reciente, debemos volver a tratados escritos mucho, muchísmo antes de su invención? ¿Qué pueden aportar estos tratados si ni siquiera fueron escritos con “el cine” en mente?

Bien pues eso es lo curioso, que el cine es un arte más de estos narrativos, o como bien dice esta palabra en inglés que no puedo traducir de manera puntual y me parece que engloba perfecto esta categoría de artes: storytellers. 

Estos artes del storytelling o artes narrativos (pero en español siento que no tiene la fuerza suficiente que lo que significa en inglés), me parece que apelan a una serie de reglas o de características, si se prefiere, universales, atemporales y por eso es fundamental volver a los clásicos, en especial a este clásico que se ha tornado famoso entre los guionistas y storytellers contemporáneos: la Poética de Aristóteles.  Sí, el tratado de la Poética de este filósofo que vivió hace más de dos mil años. 


La influencia de la Poética de Aristóteles ha trascendido fronteras, culturas y artes.  

Con más de dos mil años de antigüedad, y escrito tras el análisis de unas pocas obras, la Poética permanece como el primer y probablemente mejor estudio de lo que es una obra dramática y de cómo ésta se construye.

Irwin Blacker

Se han encontrado elementos de ella en los guiones teatrales a lo largo de la historia. Sin embargo, su influencia hoy en día ha sido tal que ha trascendido del arte teatral al arte cinematográfico. Muchos teóricos y guionistas, en especial los grandes como Robert Mckee, Syd Field, Michael Tierno  han reconocido la herencia que ha dejado la Poética al cine, al grado que es la consideran como posiblemente la base de la escritura cinematográfica.


Pero, ¿por qué regresar a la Poética? Y bueno, para quienes no lo sepan, ¿qué es la Poética y por qué es tan importante?

Bien, empecemos con esta segunda pregunta. Me voy a poner un poco en papel de filósofa… La Poética es un tratado escrito en el 335 a.C aproximadamente y que es parte del corpus aristotélico, clasificado entre sus obras estéticas. Aunque también remite a la Retórica y a algunas técnicas lógicas y de lenguaje que uno como storyteller  y orador debe manejar. 

Este tratado, superficialmente, se puede decir que es como la primera crítica teatral y literaria nunca escrita. Sin embargo, lo que Aristóteles pretende, más allá de estudiar las tragedias como buenas o malas, y desmenuzar sus contenidos, es presentar su teoría de la mímesis. Ya en otros de sus libros había dicho que el ser humano aprende por mímesis, por imitación. Pero nunca había ahondado en este estudio tanto como lo hace en la Poética. También aquí presenta la idea de catársis como liberación no solo del espectador sino también del actor de la tragedia cuando se realiza bien ésta y se pueden expurgar pasiones.

Haciendo un esquema rápido de la Poética:

En los primeros cuatro capítulos, Aristóteles, se dedica a introducir el concepto de mímesis o imitación, ahondando en el hecho de que produce placer tanto practicarla (como actor) y verla (como audiencia).

En el cuarto capítulo se introducen los “géneros”: epopeya, tragedia y comedia. Mientras que en el V se compara la tragedia y la comedia, para luego en el VI decir que la tragedia es la máxima representación, por imitar seres dignos y no de baja ralea como la comedia.

 El capítulo más cinematográfico de la Poética  es el VI. Porque en él desmenuza las características universales y necesarias para que una tragedia sea catártica. Por mencionar algunas: 


En el séptimo y octavo se establece que toda historia debe tener principio, medio y fin. Unos capítulos que probablemente inspiraron a Syd Field para desarrollar su paradigma de los tres actos en el cine.

Del IX al XI se habla de qué es la acción. En el XII, sobre la acción aplicada a los personajes. Del XIII al XV se sigue hablando de los personajes, ahora abordando sus relaciones y los puntos de inflexión (su cambio de suerte) durante su historia. Algo muy importante de este capítulo es que menciona que se conoce el carácter de los personajes a través de sus acciones y no por descripción de un diálogo. Ejemplo, no se debe decir X personaje es rico y lujurioso… sino demostrarlo en escena. Sigue hablando de la acción como desarrollo del personaje en los capítulos XVI y XVII.

En el XVIII se aborda la importancia del desenlace.

En el XIX sobre la estructura del pensamiento, entendido como conflicto hoy en día, y su expresión.

Ya en el XX y XXI hace referencia al lenguaje y a la retórica como recursos para desarrollar las tragedias. En el XXII explica la relación entre lenguaje y carácter, cómo un personaje debe representarse a través de su lenguaje (oral y corporal).

En el XXIII y XXIV compara la epopeya con la tragedia, inclinándose por la tragedia como mejor representación.

Finalmente, en el XXV y XXVI explica por qué la tragedia es el mejor medio para imitar, para que surja la mímesis.

Como vemos, mucha de las enseñanzas de Aristóteles se pueden aplicar a las historias de hoy en día, al storytelling del cine. Ahora les hablaré brevemente de los tres principales guionistas y maestros que han retomado este tratado aristotélico.  En las siguientes publicaciones, hablaré más a detalle de cada uno.

No se lo pierdan. 

I Robert Mckee: el guion y la Poética

Robert Mckee tiene una trayectoria respetada en el mundo cinematográfico y es considerado una autoridad en cuanto a creación de historias para medios audiovisuales debido a su expertise en escritura de guiones. Su método es recuperar los textos clásicos, en especial la Poética  de Aristóteles para enseñar las bases que toda historia debe tener. Por 30 años ha dado un seminario sobre cómo contar historias de manera artística siguiendo las pautas aristotélicas. Ahora el seminario ha dado la vuelta al mundo. Tal es su grado de experiencia y conocimiento que incluso es apodado el “Aristóteles” de nuestro tiempo. 

Su libro más exitoso ha sido el de Story: Substance, Structure, Style and Principles of Screenwriting, donde, basado en la Poética, aborda la estructura narrativa de un guion cinematográfico para que éste pueda realizarse como una película interesante.

II Syd Field: los tres actos

“El Gurú de todos los guionistas cinematográficos”

CNN

Syd Field es considerado como la máxima autoridad en escritura de guiones para cine. Con sus tres best sellers: Screenplay: The Foundations of Screenwriting, The Screenwriter’s Workbook y The Screenwriter’s Problem Solver , Syd Field demuestra que aunque la inspiración viene del corazón, el arte y la técnica de la escritura del guionista puede ser aprendida y uno puede convertirse en experto. Field propuso el paradigma de la estructura de los tres actos en una historia.  Siguiendo esta estructura, la presentación de la acción debe ser durante los primeros 20 o 30 minutos de la película, entonces el protagonista experimenta un plot point o giro de tuerca, en el que se le otorga al personaje una meta, la cual va a luchar contra viento y marea por lograrlo. Alrededor del minuto 60 durante el segundo acto o confrontación, se da el segundo giro de tuerca o midpoint , un momento en la historia en la que le sucede algo devastador al personaje principal y ya no hay vuelta atrás para revertir su fortuna. Entonces, empieza el tercer acto, la resolución, en donde el protagonista lucha por lograr o no su meta. 

III Michael Tierno: la Poética para los guionistas

Tierno es director y escritor de filmes cinematográficos. También es el autor de Aristotle’s Poetics for Screenwriters. Enseña escritura de guiones, teoría del cine y producción cinematográfica en la East Carolina University. El guionista, director y escritor del libro Aristotle’s Poetics for Screenwriters, Michael Tierno analiza los paralelismos existentes entre los elementos del guion cinematográfico y los temas que se encuentran en la Poética como ya los mencionaba anteriormente: trama/argumento, personajes, conflicto, espectáculo , diálogo y composición musical. 

Tierno dedica todo su libro Aristotle’s Poetics for Screenwriters a explicar los elementos que se heredan de la Poética de Aristóteles haciendo un análisis exhaustivo de dicho tratado. Citándolo por capítulos y haciendo un resumen de todas estas enseñanzas clásicas. 

Para finalizar solo he de decir, que el arte cinematográfico se ve influido por la cultura griega y en su núcleo todavía se asemeja a la estructura de una tragedia. Esto sucede, a mi parecer, porque contar historias es un arte humano que prevalece intacto durante los siglos. Las técnicas y corrientes pueden cambiar de acuerdo al momento, a lo que está de moda, pero la estructura interna que va a atrapar al espectador es atemporal y ya lo veía Aristóteles hace más de dos mil años. 

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Netflix Party

Hace años que no escribo en mi blog. Por falta de tiempo, por pereza, por falta de creatividad y por muchas otras razones, la verdad. Pero hoy quiero retomar con una pequeña nota. 

La intención inicial de mi blog era escribir sobre temas profundos que abarcaran tanto a la filosofía como al cine. Y de hecho ya estoy preparando uno, La herencia aristotélica en la escuela de guion hollywoodense, que estará en estos próximos días de cuarentena, no se lo vayan a perder. Sin embargo quiero también darle otro giro y presentar otros temas, a ver si funciona esta idea….


La cosa es que recientemente me enteré de una muy divertida e interesante forma de convivir viendo películas a distancia. 
Los que me conocen saben que no soy muy trucha con eso de la tecnología y ahora que estamos en cuarentena sufro con las video llamadas, los chats y mantener contacto a distancia. 
Pero mi hermana me ha comunicado de  una nueva opción para disfrutar el cine en casa y con amigos sin que tus amigos estén en la misma sala y sin embargo estén viendo y comentando la misma película. 


¿Cómo es esto posible? Tal vez ya lo hayan escuchado, pero yo que soy un tronco para esto de las plataformas y mantener contacto, pues no, esto es el Netflix Party. 


¿En qué consiste? Bien pues, primero lo primero. Todos los involucrados deben tener cuenta en Netflix. Si no tienes suscripción, recuerda que Netflix ofrece su primer mes gratis. ¡Aprovecha! (tip: si se te acaba el mes, utiliza otro mail, yo no lo hice, lo hizo el amigo de un amigo)

Como sea, todos deben tener cuenta de Netflix, es el primer paso necesario. 
Después, deben todos instalar en su computadora, desde Google Chrome, la app de Netflix Party


Posteriormente, el que elija la película, debe iniciar sesión en Netflix desde su computadora (en Google Chrome). (Disclaimer: se debe hacer esto en la computadora, no puedes ver Netflix ni en las apps de tabletas ni celulares ni tele, solo funciona Netflix Party en Chrome).

Elige la película o serie. Luego, da click en el ícono de Netflix Party (NP), situado al final de la barra de búsqueda. 


Se generará un link que debes copiar y enviar por chat, whats, mail o lo que prefieras, al resto de tus amigos. 


Luego ellos tienen que dar click en este link. Iniciar sesión en Netflix (again, disclaimer, todo desde su computadora por Google Chrome). 


Y listo. 

Se conectarán inmediatamente a la película o serie que escogió el primero. Si dan click de nuevo en NP, se abrirá un chat al lado de la pantalla para que puedan comentar la película  o serie mientras la ven. 


¿Cool, no? Cine en casa con amigos a larga distancia. Ya se pueden armar las pijamadas donde vean la misma película o serie al mismo tiempo y la puedan comentar. Es increíble cómo la tecnología nos une cada vez más, sobre todo en momentos en que hay que estar distantes físicamente (ahora más que nunca). 

Ojalá lo puedan probar. Me dicen lo que les parece. Si sí lo lograron, si les gustó la experiencia y si lo recomiendan o no. 

Y si les pareció interesante esta nota, por favor compartan y denle like. Pasen a ver mis otras publicaciones, un poco más densas en contenido filosófico y abstracto; también sobre cine pero en un sentido más teórico. 

Les recuerdo que estoy preparando otra nota más filosófica y teórica del tema La herencia aristotélica en la escuela de guion hollywoodense, no se lo vayan a perder, síganme en mis redes para estar al tanto. 

Y también díganme de qué tema del cine les gustaría leer. ¿Críticas de películas comerciales o de arte? ¿Más filosofía y teoría del cine? ¿Tips de plataformas en streaming (como esta nota)? ¿Promoción/reseña de series y/o películas para ver en esta cuarentena?

Solo díganme. Estaré atenta. 

Un saludo. 

Ery Falco

María Félix pionera del feminismo mexicano

Hoy es una fecha especial para el cine mexicano porque hace 106 años nació la actriz, la diva, la leyenda: María Félix. 

Fue un ícono y un ídolo del cine de oro. Pues sobresalió no solo por su belleza sino por su talento y su fuerza de carácter.   Ella no fue una típica mujer de su época, pues para el momento del siglo XX que ella vivió le tocó enfrentarse a un machismo exacerbado y no se comportó de manera sumisa, sino que se hizo escuchar, se hizo respetar en un mundo y una industria  manejada, principalmente,  por hombres. 

Ella misma declaró una vez:

El primer macho que yo conocí fue mi padre

Y es que tener ya en el núcleo familiar un macho es complicado para la vida, complicado para seguir adelante. Ya que es un patrón que aprendes  como normal, aprendes a no hacer nada al respecto, en muchos casos. Sin embargo ella agarró la fuerza para no ser una sumisa más, y como ella decía: 

Yo no soy calzonuda, yo traigo calzones

Ella fue de las primeras feministas en México y desafió  los patrones de su época. Ella misma, se podría decir, hizo una predicción feminista durante una entrevista que se le hizo en la década de los noventa:

En un mundo de hombres como éste, quiero avisarles que tengan cuidado. Ahí viene la revancha de las mujeres. Cuando seamos mayoría vamos a mandar. Y para mandar hay que estar informadas, aprender y estar preparadas. Por eso es necesario que la mujer se eduque. Así que mujeres abusadas

María Félix también hizo un llamado  a las mujeres a ponerse las pilas:

Tenemos que ser más autónomas, más dueñas y señoras de nuestro destino, así podremos hacer más por este país

Además de ser feministas y hacer un llamado al empoderamiento de la mujer, hay muchas curiosidades que envuelven a la vida de esta actriz.  La primera y más evidente es que    “La Doña” murió el mismo día de su cumpleaños, pero en 2002.  

Les contaré un poco de su historia:

María Félix nació  el 8 de abril de 1914 en Álamos, Sonora.  


Su nombre completo era María  de los Ángeles Félix Güereña.  Al comienzo de su carrera cinematográfica, hubo quienes le sugirieron cambiar su nombre a  Marcia Maris o Diana del Mar, pero ella se negó rotundamente, quería utilizar su nombre original, por lo que solo aceptó acortarlo a  “María Félix”. 

Tuvo 15 hermanos, no se llevaba bien con sus hermanas por su carácter y destacó por ser la única mujer “morena”, pues todas sus hermanas eran güeras. Tenía una estrecha relación con su hermano Pablo, tan estrecha, que su madre temía que tuvieran una relación incestuosa, por lo que los separaron, enviando a Pablo  al Heroico Colegio Militar en la Ciudad de México. 

Siempre estuvo interesada en hacer actividades denominadas “masculinas” por la época, tanto que en su adolescencia ya era una excelente jinete, deporte que solo se le atribuía a los hombres. 

Entró al cine por casualidad cuando, recorriendo las calles del centro de la Ciudad de México, conoció al director Fernando Palacios, y éste le sugirió una carrera haciendo películas.

Se casó 4 veces. Primero, a los 17 años con Enrique Álvarez Alatorre, con quien tuvo su único hijo: Enrique Álvarez Félix. Duró con él de 1931 a 1938.Su segundo matrimonio fue con Agustín Lara  de 1945 a 1947, quien le compuso de regalo de bodas “María bonita”. Después se casó con  Jorge Negrete, durando tan solo 11 meses de 1952 a 1953 debido al fallecimiento de éste. Por último se casó con Alex Berger , con quien duró 18 años, de 1956 a 1974. Tuvo una relación larga y apasionada con el pintor Antoine Tzapoff, pero no se casaron aunque estuvieron juntos 19 años, desde 1981.  Ella llegó a comentar del pintor : “No sé si es el hombre que más me ha querido, pero es el que me ha querido mejor”.  

Grabó 47 películas en México y el extranjero, en países como Italia, Francia y España.  Trabajo con los directores: Miguel Zacarías, Emilio “El Indio” Fernández, Jean Renoir, Luis Buñuel, Carmine Gallone y Luis César Amadori, entre otros. 

Actúo al lado de estrellas como Jean Gabin, Jorge Negrete, Yves Montand.  Vittorio Gassman, Dolores del Río,  Pedro Infante, entre otros. 

Fue apodada “La Doña” tras grabar su filme Doña Bárbara en  1943.

Murió de insuficiencia cardíaca pero su familia temió que fuera envenenada y por ello la exhumaron a los pocos días de enterrarla. Tras la autopsia se reveló que no fue envenenada. 

Entre sus filmes se encuentran: 

  • “El peñón de las ánimas” (1943)
  • “Enamorada” (1946)
  • “Maclovia” (1948)
  • “Río escondido” (1948)
  • “Tizoc: amor indio” (1957)
  • “Flor de mayo” (1959)

María Félix vivió adelantada a su época, causando furor en el cine y la vida mexicana y siendo amada e idolatrada por muchos. Ha sido una inspiración para muchas actrices y hoy en día es un símbolo del feminismo ya que se pronunciaba feminista sin saber lo que eso significaría en un futuro. 

La duda religiosa y existencial en el Séptimo Sello de Ingmar Bergman

Prefiero equivocarme creyendo en un Dios que no existe, que equivocarme no creyendo en un Dios que existe. Porque si después no hay nada, evidentemente nunca lo sabré, cuando me hunda en la nada eterna; pero si hay algo, si hay Alguien, tendré que dar cuenta de mi actitud de rechazo.- Blaise Pascal

El cine de Ingmar Bergman está plagado de preguntas filosóficas y dudas existenciales acerca del estatuto del hombre en el mundo y del sentido de la vida. Bergman lanza en sus filmes inquietudes religiosas que lo acompañaron desde su infancia y terminaron afectando su vida adulta. Sin embargo, a pesar de que su obra es principalmente autorreferencial, todos los humanos podemos entender la angustia de tales cuestiones porque en el fondo todos hemos, al menos alguna vez, dudado de lo mismo: ¿Existe Dios? ¿Dónde está? ¿Qué hay después de la muerte? ¿Qué sentido tiene la vida?

Estas cuestiones que saca a la luz Bergman increpan al hombre independientemente de la religión de cada uno. Muchos hombres encuentran el consuelo en la fe, logrando así calmar su angustia y miedo. Sin embargo, muchos otros viven en la duda constante y sin encontrar respuesta alguna. Si bien Bergman no plantea ninguna resolución en sus filmes, lo importante es que trae a colación esas reflexiones y a partir de ellas, cada hombre es capaz de buscar las respuestas que necesita.

Ingmar Bergman nació el 14 de julio de 1918 en Upsala, Suecia y falleció el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö. Fue el segundo hijo del pastor luterano Erik Bergman y de Karin Åkerblom. Bergman nació en el seno de una familia muy estricta, en la que la represión de los instintos se consideraba virtud. La educación que recibió de su padre fue basada en los conceptos luteranos de pecado, confesión, castigo, perdón, misericordia y en especial la relación con Dios. Lo cual influyó desde su temprana niñez y repercutió en cada uno de sus filmes.

Debido a esta educación de carácter rígido, él y su hermana, Margareta, se refugiaban constantemente en un mundo de fantasía que ellos mismos habían creado. Juntos compraban películas para su proyector familiar y construían teatros de marionetas que los ayudaban a escapar de la formación luterana y estricta en la que vivían el día a día.

La infancia de Ingmar Bergman marcó su vida adulta y su obra como ningún otro director. Las imágenes y los valores de su niñez, lo siguieron por el resto de su vida, y la proximidad con la religión luterana de su padre, lo sumergieron en cuestiones metafísicas, como: la existencia de Dios, la muerte, el dolor y el amor. Bergman poco a poco buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias, independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual. A través del teatro y del cine logró encontrar su camino y expresar las emociones reprimidas de su infancia.

Desde su primer guión de cine, Tortura (1944), el cual fue llevado a la pantalla por el cineasta sueco Alf Sjöberg, se revela la influencia de sus recuerdos personales. En los filmes posteriores que él dirigió, se ve claramente la influencia de su vida en los protagonistas, pues es a través de estos que Bergman va develando sus temores, ansiedades, aversiones, así como sus posibilidades de creer en una fuerza superior.

Uno de sus primeros filmes en los que se ve la clara influencia de su infancia y la estricta educación luterana de su padre es en El séptimo sello (1957). La película entera está plagada de diálogo religioso y existencial.

A continuación voy a analizarla, les recomiendo verla antes ya que hay spoilers.

Junto con el diálogo, la increíble fotografía de Gunnar Fischer, la cual juega con los blancos y negros de manera asombrosa, Bergman nos lleva a través de estas inquietudes existenciales y nos introduce a un mundo que tiene más dudas que respuestas. Y que, sin embargo, nos hace reflexionar y entrar en diálogo con nosotros mismos para buscar solución a tal desasosiego.

La película la protagonizan la muerte (Bengkt Ekerot) y Antonius Block (Max von Sydow), quienes inician una partida de ajedrez en la que ambos apuestan, si la muerte gana puede llevarse a Antonius pero si pierde éste puede conservar la vida. Mientras tanto, Antonius y su escudero Jöns (Gunnar Björnstrand) emprenden el viaje hacia el castillo de Antonius, quien después de 10 años de pelear en las cruzadas quiere volver a casa a ver a su esposa. A lo largo del camino se les va uniendo gente, como los teatreros Jof y Mía con su hijo Mikael, también un herrero y su esposa, con su amante y una doncella, quien es salvada de un destino trágico por Jöns. Empiezan todos juntos una travesía sin saber que la muerte los sigue a cada paso.

Mediante las ingeniosas conversaciones, que principalmente sostienen Antonius Block y la muerte, se revelan las tendencias teológicas y existencialistas no solo de Bergman sino de cada ser humano. Una escena que me gusta muchísimo, es en la que discuten la muerte y Antonius en un confesionario. En este diálogo discuten sobre el sentido de la vida, lo que hay más allá de la vida y la existencia de Dios.

Antonius le confiesa a la muerte, sin saber que es ella, sus inquietudes porque siente el vacío del mundo, ha perdido el sentido de la vida, ha perdido la fe en la humanidad y en Dios después de haber ido a la guerra en las cruzadas. Clama que quiere morir, pero no quiere hacerlo hasta saber qué hay en el más allá. Sin embargo, eso es algo que ni la muerte misma le puede contestar. Ante ello, Antonius le suelta una serie de preguntas a la muerte acerca de Dios:

¿¡Por qué la cruel imposibilidad de alcanzar a Dios con nuestros sentidos!? ¿¡Por qué se nos esconde en una oscura nebulosa de promesas que no hemos oído y milagros que no hemos visto!? Si desconfiamos una y otra vez de nosotros mismos, ¿cómo vamos a fiarnos de los creyentes? ¿Qué va a ser de nosotros los que queremos creer y no podemos? ¿Por qué no logro matar a Dios en mí!? ¿Por qué sigue habitando en mi ser? ¿Por qué me acompaña humilde y sufrido a pesar de mis maldiciones que pretenden eliminarlo de mi corazón, porqué sigue siendo una realidad que se burla de mí y de la cual no me puedo liberar?… ¿me oyes?

Antonius quiere entender a Dios antes que creer en él. Quiere entender lo que sucede después de la vida, pero esa es una cuestión que todo hombre tiene y que jamás encontrará la respuesta.

Antonius en acto desesperado pide que Dios baje y le revele la verdad. Pide que Dios no calle y le asegure que sí hay algo después de la vida y que no hay un vacío, pues de ser así, en realidad su vida no habría tenido sentido y ahora se encaminaría hacia allá, hacia el olvido. Por ello, al final prefiere aferrarse a Dios, no por fe sino porque se da cuenta que sin Él la vida pierde todo su sentido.

Este diálogo es mi favorito en toda la película y me parece que es el principal, porque es en el que se revela toda la trama que se desarrolla a lo largo del filme. Antonius teme como cualquier hombre haber desperdiciado su única vida y en sus últimos momentos quiere encontrarle un sentido.

Por otro lado, la película está plagada de simbolismo. Empezando por el título El séptimo sello, hace referencia al libro del Apocalipsis de la Biblia, en el que el ángel desata el séptimo sello y solo queda un silencio divino. En mi opinión, eso significa que ante las cuestiones existenciales y divinas solo obtendremos eso por respuesta: el silencio divino del Creador.

Un símbolo importante es la partida de ajedrez que juegan la muerte y Antonius. De hecho, Bergman lo retoma de una pintura de Albertus Pictor, en la cual sale la muerte jugando al ajedrez con sus víctimas. Esta idea representa que la muerte no puede ser vencida nunca y que de todas formas la tendremos que enfrentar al final de nuestras vidas.

Otro simbolismo presente es el de la Sagrada Familia, representado por Jof, Mia y Mikael, los teatreros de circo que se encuentran en el camino y que los acompañan al castillo de Antonius. De hecho, el mismo Jof tiene visiones religiosas en las que ve a la virgen María con el niño Dios jugando en el bosque. En medio de tanta podredumbre y peste negra que cobra las vidas inocentes, esta familia representa la vida y la esperanza que aún yace en el mundo. Es por ello, que Antonius distrae a la muerte, sabiendo que probablemente ésta le gane y se lleve no solo a su alma sino de todos los que van en la caravana con él, y deja que la familia escape.

Un símbolo más que me gustaría enfatizar, es la aparición de la muerte frente a Antonius desde el principio. Esto significa que Antonius ya se estaba muriendo, probablemente de la peste negra contraída por las cruzadas, solo que él prefiere alargar un poco su vida para encontrar respuestas. Por ello, al final la muerte se lleva a toda la caravana que iba con Antonius, pues quizá ya los ha infectado de peste a ellos también y deben morir.

En mi opinión, la influencia religiosa es evidente en toda la obra de Bergman pero principalmente en la película El séptimo sello. El diálogo del filme es magnífico, lleno de inquietudes filosóficas y religiosas que todos hemos tenido en algún momento de nuestra vida.

Además del argumento, me parece un filme excepcional tanto por la fotografía de Gunnar Fischer como por la música de Erik Nordgren, ya que ambas se integran con el diálogo y forman una pieza de arte. Los paisajes de Fischer muestran una Suecia magnífica que te quita el aliento. Si bien Bergman nunca superó los eventos que lo marcaron en su infancia, los supo enlazar en sus películas interesantemente a tal grado que logra que el público también se cuestione.

En mi opinión, El séptimo sello, es una película que deja mucho que reflexionar. El argumento es impresionante y no es algo que puedas ver solo por entretenimiento y salir de la sala del cine como si nada, sino que es un filme que te hace volver hacia ti mismo y hacia tus creencias y te hace preguntarte sobre donde te encuentras parado, sobre si tu vida tiene sentido y sobre qué estás haciendo con tu existencia. Es fenomenal.

Referencias

Ingmar Bergman. El septimo sello. Svensk Filmindustri: Suecia, 1957.

https://www.google.com.mx/amp/s/www.eleconomista.com.mx/amp/arteseideas/100-anos-de-Ingmar-Bergman-y-su-pertinencia-en–la-pantalla-20180716-0100.html

https://www.diariolibre.com/revista/cine/el-siglo-de-ingmar-bergman-un-visionario-del-septimo-arte-PG10343815

https://www.vidaalterna.com/zarlene/mobil/95_aniversario_del_nacimiento_de_ingmar_bergman.htm

https://www.ecured.cu/Ingmar_Bergman

El Séptimo Sello de Ingmar Bergman: Jaque mate

El expresionismo alemán como reflejo de la devastación de un pueblo

El cine es un espejo pintado

Ettore Scola

El cine desde sus inicios ha recibido influencia de la época histórica en la que se desarrolla. Se alimenta de la situación cultural que vive la sociedad. El cine es un arte que ha jugado un papel importante, puesto que en la pantalla grande se han desarrollado temores, traumas, alegrías y disgustos del ser humano y en ocasiones de toda un país. Estos filmes reflejan la situación tanto de la condición humana como de las naciones. Es un excelente medio para comunicar lo que inquieta al alma. 


Por ello, no sorprende que el cine europeo de los años 20 y 30 sea poco agradable al espectador, pues refleja en la pantalla grande una época muy lejana a la tranquilidad y prosperidad. Durante los albores del siglo XX se vivió una época turbulenta en toda Europa, plagada de guerras, pobreza y problemas con el Estado. Alemania no fue la excepción. 

En general, si analizamos brevemente la historia de Alemania, podemos confirmar que el pueblo alemán no la ha tenido fácil nunca. Desde sus orígenes, antes de unificarse a finales del siglo XIX, y debido a su geografía, los pueblos alemanes se vieron en la necesidad de reafirmar su identidad y unidad. Alemania empezó como un montón de pueblos germanos en la mitad de Europa, limitados por un lado por el magnánimo Imperio Romano y por otro lado por los pueblos eslavos y la gran Rusia en todo su esplendor, además de estar siempre rodeados de bosques y ríos, lo que dificultaba la comunicación entre sí mismos y la posibilidad de tener un gobierno en común. Sin embargo, todo lo anterior, en vez de intimidarlos, reafirmó su identidad como alemanes y sus ganas de unión y expansión. Con estos antecedentes, lograron su unificación en una sola nación a finales del siglo XIX.

Pero eso no fue todo. Al principio del siglo XX las cosas en la Alemania recién unificada no empezaron con el pie derecho. Tras la declaración de la Primera Guerra Mundial, Alemania se vio envuelta en conflictos políticos y bélicos que arrastraron al país a la pobreza y a una deplorable situación que no mejoró tras la finalización de la Gran Guerra. A partir de entonces, Alemania entró en una fuerte crisis económica, social y política, acentuada por la entrada en vigor de las condiciones del Tratado de Versalles. Hubo revueltas, huelgas, intentos de golpes de Estado, y una hiperinflación que dejó más ricos a los ricos y en la quiebra a las clases medias, dejando en la pobreza y desprotección a un importante segmento de la población alemana.

Después de eso, se desató el movimiento nacionalista alemán más fuerte, lo cual generó la imperiosa necesidad de reafirmar su identidad como alemanes en el ámbito artístico a principios del siglo XX. Así, respondieron ante el movimiento impresionista francés de la Belle Époque con el Expresionismo Alemán (Deutschen Expressionismus).  Es por ello que en las corrientes artísticas de las primeras décadas de 1900 encontramos temas devastadores, y el cine no fue la excepción. 

La corriente artística del Expresionismo Alemán (Deutschen Expressionismus) surgió en 1905 con el grupo de Dresde: Die Brücke (El puente).

Es importante mencionar al grupo Die Brücke porque fue una de las primeras vanguardias artísticas del siglo XX. Su pintura refleja una búsqueda de innovación así como una protesta contra el rebuscamiento de la Belle Epoque. Este movimiento , junto con Der Blaue Reiter (El jinete azul) con quien se consolidó el expresionismo alemán fue una respuesta a la situación que se estaba viviendo en Alemania. 

En el cine inició como tal con el filme Das Kabinett des Dr. Caligari (El gabinete del doctor Caligari, Robert Wiene. 1920) aunque el cine expresionista ya tenía sus antecedentes con el filme de 1913 Der Student von Prag (El estudiante de Praga, Paul Wegener & Stellan Rye. 1913).

Todo este movimiento expresionista surgió tras la necesidad de expresar, vaya la redundancia, el descontento de la situación de la época. Los filmes se caracterizan por una distorsión de la naturaleza desde el punto subjetivo del artista. Asimismo se puede apreciar claramente el protagonismo de los sentimientos. Era más preponderante mostrar la visión subjetiva del ser humano ante las situaciones, que mostrar la realidad objetivamente. 

El expresionismo alemán se vio influido por las teorías del inconsciente de Freud.

Esto provocó que los artistas se alejaran cada vez  más de la realidad, intentando expresar mediante el cine el inconsciente colectivo de la sociedad y la evolución del ser humano contemporáneo. 

Para ilustrar el argumento anterior, analizaré el filme Das Kabinett des Dr. Caligari (El gabinete del Dr. Caligari, Robert Wiene. 1913).Les recomiendo verlo (si es que no lo han hecho ya) antes de seguir leyendo, además de que habrá spoilers.

Les comparto el link donde pueden ver la película completa en youtube con subtítulos en castellano, den click aquí

Como dije anteriormente, se cataloga a Das Kabinett des Dr. Caligari como el primer filme de la corriente expresionista porque junta todos los elementos necesarios para ser ya de dicha corriente cinematográfica. Desde la técnica de grabación se puede ver la innovación del expresionismo frente a los filmes alemanes anteriores de la época. La forma en la que se grabaron cada una de las escenas no fue arbitraria. En el expresionismo, cada toma tiene una razón de ser. El objetivo es provocar un sentimiento de asfixia, de pesadilla para que tal como lo vive el protagonista, lo viva la audiencia. Aunque no hay movimientos de cámara como dollys, paneos o tilts, la cámara es más bien fija, sí hay close-ups o extreme close-ups que causan vértigo, o fotografías panorámicas que logran transmitir la angustia existencial del protagonista, con quien la audiencia logra empatizar 

Asimismo, la iluminación se encuentra muy controlada por haber sido grabada en interiores y se cuida ese aspecto por el mismo motivo: identificarse con el protagonista y sentir el repudio que él siente. En esta película no sucede tanto, pero en general el expresionismo se caracteriza por el juego de sombras que se hace. Aparecen sombras aterradoras en la pared y luego atacan al protagonista, podemos ver algo de esto en una escena del Dr. Caligari cuando una sombra (de Cesare) ataca a la chica indefensa (Jane). Las sombras juegan un papel tan importante como la iluminación. 

Además, otro elemento sumamente innovador es el uso del flashback, que es utilizado por primera vez como recurso para agilizar la trama. Esto sucede al inicio, cuando estando en un sanatorio mental, Francis empieza a contar la historia de la muerte de su amigo Alan a manos del Dr. Caligari. Así se logra poner en contexto al espectador. 

Otro elemento que es importante destacar, es la escenografía. Las calles y las casas no guardan una proporción entre sí, al contrario, son deformes. Los techos de las casas terminan en triángulo pero como si estuvieran descuadrados, las ventanas y las puertas aparecen más grandes en una evidente desproporción. Dicha escenografía llena de terror y a la vez de tristeza a la audiencia. Además, con este tipo de escenografía se manifiesta claramente la subjetividad del autor en el filme. Se observa claramente que no se está viendo la realidad tal como es, sino que hay una evidente distorsión de ella en favor de comunicar los sentimientos del autor entorno a la trama. 

https://www.timeoutmexico.mx/ciudad-de-mexico/cine/datos-curiosos-sobre-el-gabinete-del-dr-caligari

Ahora, entrando en el tema de la trama, el filme se desarrolla en torno al Dr. Caligari y Cesare, su lacayo. Ambos viajan de pueblo en pueblo para exponer su acto en los circos ambulantes. Su acto consiste en que el Dr. Caligari hipnotiza a Cesare y éste responde cualquier pregunta del público sin errar nunca. Sin embargo, con su llegada al nuevo pueblo de Hostenwall, se desata una extraña ola de asesinatos. Francis sospecha de Cesare y el Dr. Caligari cuando aparece su amigo Alan muerto, pues el día anterior en la feria Cesare le había dicho que moriría al día siguiente. Todo empieza a tomar un extraño camino. El Dr. Caligari hace un muñeco de Cesare para despistar a Francis, mientras el verdadero Cesare va y secuestra a la novia de Francis, Jane. Es entonces cuando éste los descubre y los persigue hasta un sanatorio mental. Pero entonces, el espectador cae en cuenta que todo fue un engaño y unas lucubraciones de un loco, pues el Dr. Caligari es el doctor de cabecera de este hombre Francis y Jane y Cesare son también pacientes en ese lugar… o ¿no?

El filme se centra en exponer la inestabilidad del sistema de esa época, pues evidencia la crisis moral en sus protagonistas y su constante angustia existencial.

Se cataloga como un drama psicológico. La muerte es un tema que predomina siempre en todos los filmes de esta corriente porque refleja toda la angustia y desilusión de la situación deplorable de Alemania. La trama es una crítica al Estado también, porque se hace la analogía de que así como el Dr. Caligari hipnotizaba a Cesare para que asesinara por las noches, el gobierno se aprovechaba de un pueblo “dormido” para que cometiera crímenes, algo que culminaría a inicios de la década de los 40’s con el nazismo y en plena Segunda Guerra Mundial. Tal es la teoría que desarrolla en su libro “De Caligari a Hitler”, Sigfried Kracauer.

De acuerdo con Kracauer, el filme es en sí una crítica al totalitarismo de esa época, sin embargo, Wiene se vio obligado a cambiar el guion original por ser presionado por la productora, la cual fue a su vez presionada por el gobierno alemán en turno. La crítica es demasiado fuerte, el mensaje demasiado impactante: la autoridad es la autora de los crímenes y se aprovecha de su lacayo dormido para cometer crímenes y salirse con la suya. Por ello, Wiene le agregó dos escenas al filme. La primera, al inicio que muestra el flashback del personaje en el sanatorio mental, para crear la ilusión de que son lucubraciones de un loco; y la segunda, cuando se ve al loco al final en el sanatorio mental y el Dr. Caligari pasa de ser el malo a ser el médico que está tratando a su paciente, y es el momento donde la audiencia confirma que todo fue la imaginación de ese hombre. Sin embargo, aun con esas añadiduras, la crítica al gobierno, sigue siendo pertinente. 

Aquí me centré en el análisis del primer filme. Sin embargo, hay mucho más filmes que pueden ver, y la mayoría los encuentran en youtube subtitulados ya sea en español o inglés. Entre los filmes también expresionistas se encuentran: 

  • Nosferatu- Friedrich W. Murnau, 1922
  • Fausto- Friedrich W. Murnau, 1926
  • Vampyr- Carl T. Dreyer, 1932
  • Metrópolis- Fritz Lang, 1927
  • Der letzte Mann (El último hombre)- Friedrich W. Murnau, 1924
  • Der Blaue Engel (El ángel azul)- Josef von Sternberg, 1931

El alcance del expresionismo alemán destaca más allá de las primeras décadas. El alemán tuvo muchísima influencia del expresionismo durante la década de los años 30’s en filmes como Der Blaue Engel  (El ángel azul, Murnau. 1931) o Vampyr (La bruja vampiro, Dreyer. 1932), entre otros. En ambos tiene influencia el expresionismo en el juego de sombras que hay en las películas, en la temática y en la escenografía. Por otro lado, en Der Letzte Mann de Murnau (1924) hay una influencia del Dr. Caligari en la temática porque también habla de decadencia, su protagonista empieza desde un punto alto con buena fortuna y una buena vida y termina con la vida destrozada, aunque posteriormente se le agregó un final alternativo en el que la suerte del protagonista cambia a bien porque Murnau recibió críticas de la productora de que cambiara su final. 

La influencia del expresionismo alemán ha cruzado fronteras y épocas, alcanzando a cineastas como Hitchcock y Tim Burton, por mencionar algunos. Sus filmes muestran influencia en elementos como escenografía y movimientos de cámara. En los filmes de Hitchcock podemos notar el juego de sombras que heredó del expresionismo alemán, así como la manera de mostrar a la audiencia sentimientos desoladores y lograr una empatía por el indefenso protagonista. En Burton, la influencia ha sido sobretodo la comunicación subjetiva de la realidad y la escenografía, en la mayor parte de sus filmes, desproporcionada. Igual los temas que trata son desoladores, algunos filmes contienen finales felices, pero en general sus protagonistas viven en mundos de desesperanza, incluso la muerte es un tema que predomina en su filmografía. 

A mi juicio, el cine es un reflejo de la situación que vive tanto una persona como una nación. Por ello, se representan en la pantalla grande las épocas y los problemas que vivimos, ya sea como reflejo de la situación que atravesamos o como protesta de ella. Es por esto que considero que el cine es una forma de arte, pues logra establecer una conexión, un diálogo entre director y audiencia transmitiendo sentimientos y emociones y abriendo los ojos hacia una realidad distinta. 

El expresionismo alemán me parece una corriente cinematográfica sumamente importante. No puedo decir exactamente que me gusta, porque los filmes de esta corriente no me producen sentimientos agradables, sino todo lo contrario, pero puedo decir que me interesa y mucho. Además aprendo y siento con cada toma el horror, la tristeza, la devastación que debieron haber sentido los alemanes de aquella época.

El expresionismo refleja una parte importante de la historia, no solo alemana sino universal. Nos cuenta no solo la historia de los artistas, sino de un pueblo, la crisis de toda una nación. Como lo explico en la nota anterior (La narrativa y el cine) el cine nos ayuda a entender a otras culturas y su historia, así como también a nosotros mismos. Siguiendo esta línea, no creo que se pueda entender la historia alemana sin el expresionismo ni viceversa. Se complementan ambos y enriquecen la cultura alemana. 

https://www.elconfidencial.com/alma-corazon-vida/2017-10-01/alemania-trabajo-sueldos-precariedad-espana_1449361/1

Referencias:

La narrativa y el cine

El cine es el medio narrativo por antonomasia para compartir historias. Todos tenemos una historia qué contar y tenemos también mucho qué aprender de las historias que nos cuentan. Las diferentes narrativas nos definen como personas y definen nuestra cultura también. Narrar es una actividad que surge naturalmente en la humanidad. Se tiene el registro que incluso los primeros homínidos narraban sus pensamientos, sentimientos, y las historias que vivían día con día tanto oralmente, como pictóricamente a través de sus pinturas rupestres. Para comunicarse entre sí, debían imitar en sus narraciones los hechos del mundo y lo que les sucedía; mientras que quienes los observaban, contemplaban sus representaciones y aprendían de esas imitaciones, que servían como guía o enseñanza transmitiendo sabiduría de sus ancestros a las nuevas generaciones.

http://revistaiconica.com/precios-cine-ciudad-de-mexico/

Hoy en día sucede algo similar. Si pensamos en artes narrativas contemporáneas como la pintura, el teatro, la fotografía o el cine, nos damos cuenta de que cada arte tiene su propia manera de narrar historias, ideas u opiniones que se quieran comunicar a otras personas u otras generaciones, y a su vez todos podemos aprender de estas representaciones cosas acerca del mundo, de las personas que nos rodean e incluso de nosotros mismos. En este sentido, el arte cinematográfico es hoy en día uno de los medios narrativos más populares para imitar la vida humana, el universo y hacer introspección de uno mismo.

No obstante, surge la duda:

¿qué clase de narrativa, qué clase de historias les estamos compartiendo a las nuevas generaciones?

El cine es sin duda el arte más influyente de los siglos XX y XXI. Pues ha viajado a través de culturas y fronteras. Se encuentra en básicamente cualquier idioma, y abarca cualquier tema, género y filosofía. Sin embargo, de un tiempo a la fecha ha gobernado una serie de películas sensacionalistas y blockbusters americanos. El arte de contar historias, de transmitir nuestra narrativa al público y a nuevas generaciones escasea.

Con este background, ¿cómo pueden los jóvenes armarse una historia de dónde vienen y saber hacia dónde van? La cineasta inglesa Beeban Kidron simplifica el problema en una frase: [la situación actual] es una paradoja porque el acceso tecnológico nunca antes había sido tan grande y el acceso cultural tan endeble.

“The irony is palpable: technical access has never been greater; cultural access, never weaker”

Beeban Kidron da una TEDtalk en la que habla acerca de este problema. Ella establece que es importante que los jóvenes de ahora tengan historias con las cuales puedan entender su pasado cultural y entenderse a sí mismos además de ser capaces de lograr una conexión entre ellos y su comunidad, parientes y profesores. Porque después de ver un filme la gente se pregunta quién más está allá afuera y cuál es su historia.

http://www.ourgateshead.org/filmclub

Para combatir tal problema, Kidron empezó un proyecto llamado Film Club. El proyecto empezó como un club de cine para jóvenes entre 5 y 15 años, en niveles de educación básica en algunos colegios de Inglaterra. Se lanzó un proyecto piloto que duró 9 meses en alrededor de 20 colegios y para cuando terminó, ya tenían en lista de espera cientos de colegios que querían participar con ella. 

El objetivo del Film Club fue mostrar películas que les enseñaran diferentes narrativas culturales y personales a los jóvenes para darle sentido a su mundo, para después debatir sobre ellas y escribir reseñas de lo que aprendieran. Con las películas entendieron mucho más y mejor de historia, del Holocausto y otros genocidios, de las guerras, aprendieron de distintas culturas a la suya, aprendieron de política y de sociología. Con este proyecto los jóvenes descubrieron nuevos lugares, nuevas perspectivas. Entre más filmes vieron más enriquecían su cultura y su conciencia. 

Los jóvenes llegaron a querer ver todo tipo de películas: blanco y negro, fantasía, clásicos, drama, y hasta documentales. 

El proyecto fue un éxito en Gran Bretaña. 

Lo extraordinario del proyecto fue cómo la experiencia de un pensamiento crítico se traducía a la vida, algunos niños empezaron a hablar con sus padres, otros con sus maestros otros hicieron amigos, las historias del cine generaron comunidad. Los jóvenes vieron las películas como un medio para verse a sí mismos y preguntarse por los demás. 

Beeban Kidron defiende que la narrativa individual es un componente esencial en la identidad de la persona y la narrativa colectiva es un componente esencial en la identidad cultural.

Este pensamiento también lo encontramos en el filósofo francés Paul Ricoeur, quien menciona que nuestra identidad se asemeja a la narrativa literaria. Nuestra identidad es la historia de vida que nos contamos a nosotros mismos. Nosotros somos nuestras historias. 

En resumen, la teoría de Ricoeur expone que todas las personas tenemos una historia de vida. Nuestra identidad personal, desarrollada en la dimensión temporal de la existencia humana, se construye con la aportación de la narrativa de sí mismo.

La comprensión del sí es una interpretación, dicha interpretación se encuentra en la narración.

La narración se vale tanto de la historia como de la ficción, haciendo de la narración de vida una historia de la identidad. En muchas narraciones, el sí busca su identidad a lo largo de toda una vida. 

En conclusión, el cine es un medio que nos ayuda a entendernos a nosotros mismos como individuos y como personas dentro de una sociedad. Las películas nos unen y nos permiten interactuar con las personas que tenemos al lado, descubriendo quiénes son, cuál es su historia y aprendiendo de ellos al igual que aprendiendo de nosotros mismos. 

Para saber más acerca del proyecto de Beeban Kidron les dejo el link a su TEDtalk: The Shared Wonder of Film

Para conocer más de la teoría de la identidad personal y la identidad narrativa del filósofo Paul Ricoeur les recomiendo su libro “En sí mismo como otro”

La industria del cine mexicano frente al libre comercio

“El comercio abre puertas para relaciones que trascienden el intercambio económico. Cuando las naciones comercian, no solo los bienes materiales cruzan las fronteras, la gente y las ideas inevitablemente cruzan por las mismas puertas.” Cato Institute[1]

El libre comercio fomenta el intercambio tanto de bienes y servicios como de culturas e ideas; puesto que los intercambios los realizan los hombres y nunca se restringen a ser solo productos fabricados. Tal es el caso del cine. Gracias a él, se transmiten las culturas e ideas entre naciones. Sin embargo, uno de los problemas que veo en esto es que, si hay un desequilibrio en la balanza, es decir, si se importa más cultura ajena de la que se genera dentro del país, entonces la propia cultura va perdiendo voz y se va perdiendo identidad nacional. De hecho, esto es lo que sucede con la industria cinematográfica actual. El intercambio no es recíproco ya que existe actualmente un dominio en la industria por parte del cine hollywoodense y nuestro cine nacional pierde cada vez más audiencia. Por ello, pienso que se debe ofrecer un subsidio; así, nuestro cine nacional podría desarrollarse mejor, y llegar a más gente. No creo que el dominio fílmico norteamericano sea solo por falta de competitividad de la industria nacional, sino que hay muchos más factores en juego. Los cuales desarrollaré a continuación.

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https://www.utel.edu.mx/blog/10-consejos-para/que-es-el-tratado-de-libre-comercio/

La industria cinematográfica mexicana se desbarató completamente a raíz del TLCAN[2]. Esto sucedió debido a que, al firmar el tratado, no se consideró a la cultura ni como prioridad ni como interés nacional, lo cual impidió que se discutiera cómo se iban a negociar las industrias culturales, como el cine. Sin embargo, quince días después de firmar el tratado, se promulgó una nueva Ley Cinematográfica donde se estableció que desde 1993 y hasta 1997 se disminuiría paulatinamente la exhibición de películas mexicanas en pantallas nacionales de un 50% a un 10%.

Esto derivo lógicamente en una disminución de la producción fílmica nacional, pues no se quería invertir en una película que por ley fuera a ser proyectada solo en 10 pantallas de 100 nacionales y por una semana.[3] Esta ley se promulgó bajó el argumento de que no era comercio libre favorecer a nuestros productos nacionales; lo cual, es verdad, no es comercio libre proteger la producción nacional, pero de ello no se sigue que se deba desarticular la industria nacional entera en favor de propiciar el libre comercio. Esta desarticulación lo único que generó fue una competencia en condiciones desiguales en la que la producción fílmica mexicana se quedó sin recursos para competir contra un Hollywood que iba ascendiendo al éxito cada vez más.

Además, esto tuvo otras consecuencias económicas y no solo para la industria, sino para la población. Antes del TLCAN, con el subsidio que daba el gobierno al cine mexicano, existían teatros y cines independientes capaces de proyectar filmes en toda la república y vendían el boleto tan barato que con un salario mínimo se podían comprar hasta dieciséis de ellos.[4] Tras el tratado y la nueva Ley Cinematográfica, estos cines tuvieron que venderse a empresas privadas como Cinemex o Cinépolis, las cuales elevaron el precio de sus productos y además tenían por obligación legal exhibir no más del 10% de cine mexicano. Logrando con esto que el cine se convirtiera en un divertimento de las clases media y alta, alejando de este medio a la mayor parte de la población.

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https://diarioprimicia.com.ar/noticia/111349/el-municipio-clausuro-local-en-procedimientos-de-rutina

Debido a estas razones es imposible que el cine mexicano se vuelva competente sin ayuda de un subsidio. Por otro lado, a mi juicio, el libre comercio fomenta el intercambio de ideas y culturas que debería tener como consecuencia un enriquecimiento mutuo de las naciones que lo practican. Sin embargo, actualmente existe una balanza desequilibrada principalmente porque no se necesita ni siquiera producir cine mexicano para importar cine hollywoodense, lo cual genera que se pueda importar todo el cine extranjero que se desee sin necesidad de generar cine nacional propiamente.

Encuentro lo anterior problemático porque, en primera de dicho dominio se sigue la pérdida de nuestra cultura cinematográfica. Y debemos proteger eso, porque si perdemos partes de nuestra identidad mexicana, al rato perderemos el resto de nuestra identidad. Este caso específico del cine mexicano, no creo que se resuelva solo haciendo más competente al cine sin ayuda de ningún subsidio, ya que no puede sobrevivir de su sola producción. Y en segunda, es necesario que se consuma y se produzca porque representa parte de nuestra cultura que se está perdiendo debido a la globalización.

Yo no estoy en contra del libre comercio, ni a favor del proteccionismo arbitrario. Solo señalo este caso específico en el que es necesario un subsidio a la industria cinematográfica para que sobreviva nuestra cultura.

Asimismo, creo que este subsidio podría funcionar, puesto que ha funcionado en otros países. Tenemos el caso actual de Francia, país en el que se reparten el mercado fílmico casi por igual tanto Hollywood como su cine nacional. Esto se ha logrado gracias al Centre National du Cinéma (CNC) que ofrece subsidios a la producción y además se ha obligado a las cadenas televisivas a invertir un porcentaje de sus ganancias en el cine.[5] Asimismo, otro caso exitoso, pero del siglo pasado, es el de Alemania de la posguerra. En los años 50’s y 60’s existía un problema en el cine alemán parecido a nuestro cine actual, Hollywood impedía el desarrollo de la industria fílmica ocasionando un estancamiento de dicho arte. Los cineastas se habían quedado sin recursos para filmar y las productoras no invertían en ellos. Así, en 1969, cuando los socialdemócratas ascendieron al poder que se cambió la política estatal y se le otorgó un apoyo al cine. Gracias a este subsidio, se les dio la oportunidad a nuevos cineastas que empezaron a competir internacionalmente, a tener renombre y a rescatar la cultura de su país.[6]

En conclusión, pienso que la decadencia del cine mexicano, como ya lo expuse anteriormente, no es sólo por su incompetencia, sino que no tiene las herramientas ni las posibilidades de ser producido y consumido. Esto se debe principalmente a la desprotección del gobierno cuando se firmó el TLCAN; y si el gobierno creara políticas de subsidio al cine nacional, se podría generar un crecimiento de la industria. Por ello, defiendo la postura proteccionista en la industria fílmica mexicana. Asimismo, creo que se debe promover y defender nuestra cultura, y eso se lograría exitosamente con una política proteccionista puesto que se ha comprobado que ya ha ayudado en otros países y en otras épocas y se ha logrado salir adelante. Además, esto no mermaría el comercio libre, sino todo lo contrario ayudaría a ser más competente la industria cinematográfica mexicana y eso generaría condiciones mínimas de igualdad para que haya competencia.

¿Ustedes qué opinan?

Dejen sus comentarios.

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Fuentes

“Nuevo cine alemán”. Hablando de cine. http://www.cineclubtea.com.ar/Public17.htm (Acceso 14 octubre 2015)

Morán, Rafael. “Boom del cine francés”. La crónica cultural. http://www.espanol.rfi.fr/cultura/20150521-boom-del-cine-frances (Acceso 14 octubre 2015)

“TLCAN fue un desastre para el cine mexicano”. El economista. http://eleconomista.com.mx/entretenimiento/2014/03/27/tlcan-fue-desastre-cine-mexicano (Acceso 14 octubre 2015)

Hernández Villanueva, Gabriela. “Impulsar la industria cinematográfica es una oportunidad para el desarrollo cultural y económico de México”. Universidad Autónoma de León. http://www.uanl.mx/noticias/investigacion/cine-mexicano-su-produccion-y-consumo.html (Acceso 14 octubre 2015)

Cruz Quintana, Fernando. “El cine mexicano que Hollywood arrasó” Cuadrivio http://cuadrivio.net/dossier/el-cine-mexicano-que-hollywood-arraso/ (Acceso 14 octubre 2015)

Griswold, Daniel T. “Siete argumentos morales para el libre comercio”. Cato Institute. http://www.elcato.org/siete-argumentos-morales-para-el-libre-comercio (Acceso 14 octubre 2015)

[1] Cfr. “Siete argumentos morales para el libre comercio”. Cato Institute. http://www.elcato.org/siete-argumentos-morales-para-el-libre-comercio

[2] Cfr. “El cine mexicano que Hollywood arrasó”, Cuadrivio, http://cuadrivio.net/dossier/el-cine-mexicano-que-hollywood-arraso/

[3] Cfr. “Impulsar la industria cinematográfica es una oportunidad para el desarrollo cultural y económico de México”, Universidad Autónoma de León, http://www.uanl.mx/noticias/investigacion/cine-mexicano-su-produccion-y-consumo.html

[4] Cfr. “TLCAN fue un desastre para el cine mexicano”. El economista. http://eleconomista.com.mx/entretenimiento/2014/03/27/tlcan-fue-desastre-cine-mexicano

[5] Cfr. “Boom del cine francés”. La crónica cultural. http://www.espanol.rfi.fr/cultura/20150521-boom-del-cine-frances

[6] Cfr. “Nuevo cine alemán”. Hablando de cine. http://www.cineclubtea.com.ar/Public17.htm

Ontología de la imagen

“La muerte no es más que la victoria del tiempo”.

André Bazin

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Para el ser humano la muerte es el fin, y no solo de la vida misma sino de toda su esencia y de todos sus logros. La lucha por la vida siempre ha sido también una lucha contra la muerte, contra el fin de la existencia porque ¿qué hay peor que dejar de existir, de no dejar rastro, de desaparecer de la faz de la tierra para siempre?

Dejar de existir es una idea inconcebible para nosotros, queremos sobrevivir a la muerte, aunque no sea carnalmente, queremos sobrevivirla mediante nuestros actos, nuestra descendencia y nuestro patrimonio. Y lo que Bazin propone es que también queremos sobrevivir a la muerte a través del arte.

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Como humanos hemos luchado por vivir eternamente o al menos por trascender a la muerte durante toda la historia. Ya los egipcios embalsamaban los cuerpos de los faraones para que éstos sobrevivieran de cierta forma a su propia muerte y pudieran vivir eternamente.

Los embalsamientos egipcios tenían una connotación religiosa y más que artística, pero con el tiempo en las civilizaciones también empezaron a tratar el tema de la muerte desde el arte. Los anhelos de supervivencia se trasladaron al campo artístico siendo las pinturas y esculturas las encargadas de inmortalizar a las personas, sus vidas y sus logros para salvarse de una segunda muerte espiritual.

De acuerdo con Bazin, el arte tiene una fuerte necesidad de realismo, es decir de asemejarse lo más posible al modelo de la realidad. Desde esta perspectiva, el arte no es más que una herramienta para que el humano trascienda después de su muerte carnal y por ello es esencialmente necesario que se asemeje a la realidad de la persona lo más posible. Así, para Bazin, el arte es una expresión psicológica que se ha utilizado para sobrevivir a la muerte y al tiempo.

De todas las artes, en especial la pintura funge como dicha expresión porque utiliza diversas técnicas estéticas como la perspectiva, que permite crear la ilusión de un espacio de tres dimensiones donde los objetos pueden verse tal cual los percibimos en este mundo. Con lo anterior, entendemos que Bazin piensa que el arte tiene dos aspiraciones: estética y psicológica, dándole mayor énfasis al anhelo psicológico del realismo.

Es curioso que Bazin piense que el arte, en especial la pintura, sea una vía para reproducir realistamente la vida, pues justo en sus tiempos, mediados del siglo XX,  se dieron a conocer las famosas vanguardias que rompieron con el paradigma del realismo pictórico dejando en claro que la pintura lejos de querer reproducir la realidad servía para expresar la mentalidad interna y sentimientos del artista.

Claro que una objeción que pondría Bazin es que las vanguardias mismas surgen porque el anhelo del realismo que pretendía la pintura se ve reemplazado por la fotografía, la cual ahora de “manera mecánica” puede reproducir la realidad de manera mucho más afín al mundo de lo que la pintura jamás lograría.

La pintura, desde la invención de la perspectiva en el renacimiento, fue el arte más importante en esta reproducción de la realidad y lucha contra la muerte, hasta que apareció la fotografía. Para Bazin, la aparición de la fotografía libró a las artes plásticas de su obsesión por la semejanza. Sobre todo, porque la fotografía permite algo que la pintura no, una reproducción mecánica, sin intervención subjetiva por parte del artista.

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Dado que el cine está hecho de fotografías en movimiento, Bazin asume que el cine también representa la realidad como es, e incluso mucho más que una fotografía, pues nos presenta a la realidad en movimiento, una especie de momificación del cambio, mientras que una fotografía es solo una fracción de la realidad congelada en el tiempo.

El novelista André Malraux, siguiendo la línea de Bazin diría que

el cine no es más que el aspecto más desarrollado del realismo plástico que comenzó con el Renacimiento y encontró su expresión en la pintura barroca.

Tanto Bazin como Malraux ven al cine como el arte esencialmente objetivo y realista, pues no interviene para ellos la subjetividad del artista y puede reproducir la realidad con mayor semejanza que cualquier otro arte.  Es esta objetividad de la fotografía y el cine que le dan una credibilidad que no encontramos en ninguna pintura. Por consiguiente, para Bazin la pintura se encuentra en una técnica inferior en lo que a semejanza se refiere. Asimismo, es esta objetividad fotográfica que libra a la pintura de la obsesión por ser realista y por ello la pintura ahora puede explorar en sus vanguardias otras maneras de plasmar los anhelos del ser humano.

Las virtualidades estéticas de la fotografía [y del cine] residen en su poder de revelarnos lo real, afirma Bazin.

La fotografía se encarga de embalsamar al tiempo, el cine de detener la vida en duración.

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Ante la teoría realista de Bazin nos surge la duda de si sí es real ese anhelo de realismo y además de si el arte nos puede ayudar a lograrlo.

Estoy de acuerdo con Bazin de que los humanos tenemos un deseo de trascendencia, de librarnos de la muerte y si no podemos ganarle al tiempo carnalmente, al menos esperamos sobrevivir espiritual, intelectual o artísticamente. De esta forma, creo que es natural pensar que a través del arte queremos vivir eternamente. Lo que me parece algo descabellado es pensar que el arte tiene una necesidad psicológica de reproducir la realidad tal cual es. La verdad no creo que exista tal anhelo de realismo en el arte.

Sí hay corrientes realistas, e incluso hiperrealistas, cuyo fin es asemejarse lo más posible a la realidad en cada una de sus obras, pero son solo ciertas escuelas, no es algo que defina en su totalidad al arte ni es algo que todo artista pretenda, como lo afirma Bazin. Para mí, el arte más que reproducir la realidad tal cual es, el arte busca expresar los sentimientos o las visiones que se tienen de la vida y del mundo, y establecer que necesariamente busca copiar la realidad es limitarlo.

Y lo mismo sucede con el arte fotográfico y cinematográfico, su fin principal no es la reproducción realista del mundo. La verdad es que tanto el cine como la foto hoy en día pueden ser truqueados y retocados para crear cosas que no existen en la realidad, entonces no podemos decir que sean artes que se libren totalmente del subjetivismo y reproduzcan la realidad. Incluso en la época de Bazin ya existían herramientas para hacer en el cine efectos especiales que no correspondían a una fiel representación de la realidad.

Hoy en día no se puede confiar en que una foto revele 100% lo que sucede en la realidad, en los retratos podemos retocarnos la cara y subir las fotos que a nosotros nos gusten de nosotros mismos a nuestras redes sociales y si se retrata algún paisaje, existen herramientas como Lightroom o Photoshop o apps en nuestros smartphones como Afterlight o Snapseed o en el mismo Instagram que nos permiten mejorar los colores de la imagen entre otras cosas y terminar con una foto mucho más producida que la realidad misma. Así que el argumento de Bazin no procede, porque la fotografía no es más realista que la pintura.

Tampoco es más objetiva porque, aunque se realiza con un aparato automático, es el fotógrafo el que decide qué va a fotografiar, desde qué ángulo o perspectiva y escoge la apertura del lente, la velocidad de obturación, la exposición de luz, entre otras funciones para lograr comunicar algo que siente en su interior por medio de la foto. Así que, en este sentido, la pintura y la fotografía son igualmente subjetivas y la objetividad de la cámara le hace al fotógrafo lo mismo que un pincel al pintor, pues, aunque sea un proceso mecánico, se pone en juego la visión del fotógrafo en todo momento, y lo mismo se puede decir del cine.

Referencias:

BAZIN André, “¿Qué es el cine?”, España: Rialp, 2001.

Camilla Läckberg y la saga Los crímenes de Fjällbacka

Para empezar el año, les quiero recomendar no un libro sino una serie del género Novela negra, es decir, novela de crimen.

Me refiero a la saga Los crímenes de Fjällbacka de la escritora Camilla Läckberg. Actualmente esta serie me fascina, me tiene cautivada. Son nueve libros, de los cuales apenas voy en el cuarto pero pretendo acabar la serie pronto porque de verdad son asombrosos. Tanto la redacción como la manera en la que Camilla desenvuelve la trama es apasionante. Y se los recomiendo muchísimo.

Antes de dar una breve reseña de la serie, les quiero compartir el background de Camilla Läckberg.

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Jean Edith Camilla Läckberg Eriksson nació el 30 de agosto de 1974, en Fjällbacka (ciudad donde transcurren los sucesos de sus novelas). Su pequeño pueblo natal está situado en la costa oeste de Suecia, exactamente entre Uddevalla y Strömstad, colindando con Noruega.

Desde muy chica reveló su talento para la escritura y su fascinación por el lado oscuro del ser humano. Camilla escribió su primer libro a los cinco años, titulado “Tomten” (The Santa Claus). A pesar de su corta edad, el libro era un thriller, sangriento y escalofriante, un contraste con su dulce infancia.

Sin embargo, al crecer dejó de lado sus dotes de novelista para estudiar Economía en la Universidad de Göteborg, en Suecia. Trabajó por dos años como economista en Estocolmo hasta que se dio cuenta que eso le traía bastante infelicidad. Durante ese tiempo utilizó la escritura como forma de escaparse de su vida y su trabajo, y fue por ello que su madre, su esposo y su hermano le regalaron un curso de “Escritura sobre Crimen y Ficción” dirigido por la editorial Ordfront. Fue en este curso que Camilla empezó a desarrollar la primera novela negra de la saga Los crímenes de Fjällbacka: La princesa de hielo  (Isprinsessan).

Dicha novela fue publicada en el 2003. Y gracias a su carrera en Economía, Camilla sabía de negocios, de marketing y sobre la importancia de conocer a los consumidores; por ello el primer año supo promover su novela presentándose en cada librería del país (Suecia), haciendo firmas de autógrafos y trabajando duro en la publicidad.

Todo esto dio increíbles frutos y disparó a Camilla Läckberg de lo desconocido a ser la Reina de la Novela Negra por toda Europa. Ha vendido más de 12 millones de copias por todo el mundo y han sido traducidas sus novelas a varios idiomas.

Además de la Novela Negra, Camilla se ha dedicado a crear la serie Super-Charlie que son cuentos para niños y fueron publicados en 2014. También publicó junto con Christian Hellberg, un viejo amigo de la escuela quien es ahora un reconocido chef de Suecia, dos libros de cocina.

Para más información sobre Camilla Läckberg, consultar: http://www.camillalackberg.com/about-camilla/

Pero volviendo a su exitosa serie Fjällbacka actualmente ha publicado nueve libros, desde el 2003 con La princesa de hielo (Isprinsessan) hasta el último que se publicó en noviembre del 2014,  The Lion Tamer, el cual actualmente no ha sido traducido al español. El último publicado en español es el octavo, La mirada de los ángeles (Änglamakerskan) en abril del 2014.

A continuación enlistaré los libros con una pequeña reseña:

El primero fue: La princesa de hielo, (Isprinsessan, 2003) ed. Maeva.

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/la-princesa-de-hielo

  • Cuando la joven escritora Erica vuelve a su pueblo natal tras el fallecimiento de sus padres, no se puede ni imaginar que se verá envuelta en la truculenta historia de un crimen cuyos protagonistas no son otros que sus propios amigos de la infancia. Cuando su amiga Alex es encontrada muerta, aparentemente suicidada, se descubre que no sólo fue asesinada sino que además estaba embarazada, lo que multiplica así las conjeturas de Erica y de la policía, que detiene al principal sospechoso, Anders, un artista fracasado que mantenía una relación especial con la víctima. El policía encargado del caso es el detective Patrik Hedström, para quien Erica siente algo más que mero interés profesional.

El segundo: Los gritos del pasado (Predikanten, 2004), ed. Maeva

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/los-gritos-del-pasado

  • La joven pareja formada por la escritora Erica y el detective Patrik disfrutan de unas merecidas vacaciones en la pequeña población costera de Fjällbacka. Erica está embarazada de ocho meses y el calor sofocante del verano vuelve especialmente difícil este último mes de gestación. La última cosa que necesita la joven pareja es un nuevo caso de asesinatos, pero el malhumorado comisario Mellberg le comunica a Patrik que un niño ha encontrado el cadáver de una mujer mientras jugaba. No obstante, lo más extraño es que junto al cadáver han aparecido los restos de dos mujeres desaparecidas años atrás. En aquel lejano caso, el acusado de la desaparición de las dos mujeres había sido denunciado por su propio hermano. Ahora, será necesario hurgar en el turbio pasado de estos dos hombres unidos por el odio…

El tercero: Las hijas del frío (Stenhuggaren, 2005), ed. Maeva

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Reseña de:  http://www.laprincesadehielo.es/las-hijas-del-frio

  • Erica y Patrik acaban de tener una hija y, a pesar de la alegría que trae la pequeña al hogar, la joven pareja debe hacer frente a toda un serie de nuevas preocupaciones. La niña llora mucho, Erica sufre una depresión posparto y Patrik está constantemente cansado. Erica encuentra entonces apoyo en Charlotte, madre de Sara, una niña de siete años que sufre el síndrome de deficiencia de atención, cuando se produce un terrible drama: un pescador encuentra el cadáver de la pequeña Sara, ahogada en el mar. Las autoridades piensan primero que se trata de un accidente, pero la autopsia revela que la pequeña fue ahogada en una bañera antes de ser arrojada al mar, y que alguien le hizo tragar cenizas… La abuela de la niña acusa inmediatamente a Kaj, un vecino malhumorado con el que la familia mantiene un grave enfrentamiento desde hace años. A los pocos días, otro niño es atacado; éste logra salvar la vida, pero cunde el pánico en la pequeña población de Fjällbacka. ¿Quién puede estar cometiendo estas terribles acciones y por qué?

El cuarto: Crimen en directo (Olycksfågeln, 2006), ed. Maeva

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/crimen-en-directo

  • Patrik y Erica siguen disfrutando de su idilio en el pueblo de Fjällbacka, ahora acompañados por su bebé, la pequeña Maja, que ya tiene ocho meses. Mientras la joven pareja está plenamente volcada en los preparativos de su próxima boda, los asuntos en la comisaría, donde Patrik trabaja, siguen su curso rutinario. Pero el alcalde reúne al pleno del ayuntamiento para anunciar la llegada a Tanum de un equipo de televisión para filmar un reality-show bastante escandaloso llamado «Fucking Tanum» que, supuestamente, debería reportar unos jugosos beneficios a la población y que va a suponer en realidad una auténtica pesadilla. Poco después, Patrik debe investigar la muerte de una mujer, víctima de un accidente de tráfico. Aparentemente la mujer bebió más de la cuenta, pero a Patrik le llaman la atención unas extrañas marcas en el cuello de la víctima y descubre muy pronto que existe una misteriosa relación entre ese crimen y otros asesinatos que tuvieron lugar en el pasado en distintos lugares de Suecia. Al lado de todos los cuerpos había una página del cuento infantil Hansel y Gretel. Mientras tanto, el productor del programa, consciente de que a mayor escándalo, mayor índice de audiencia, alimenta los conflictos entre el grupo de participantes.

El quinto: Las huellas imborrables (Tyskungen, 2007), ed. Maeva

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/las-huellas-imborrables

  • El verano llega a su fin y la escritora Erica Falck vuelve al trabajo tras la baja de maternidad. Ahora le toca a su compañero, el comisario Patrik Hedström, tomarse un tiempo libre para ocuparse de la pequeña Maja. Pero el crimen no descansa nunca, ni siquiera en la tranquila ciudad de Fjällbacka, y cuando dos adolescentes descubren el cadáver de Erik Frankel, Patrik compaginará el cuidado de su hija con su interés por el asesinato de este historiador especializado en la Segunda Guerra Mundial. Mientras tanto, Erika hace un sorprendente hallazgo: los diarios de su madre Elsy, con quien tuvo una relación difícil, junto con una antigua medalla nazi. Pero lo más inquietante es que, poco antes de la muerte del historiador, Erika había ido a su casa para obtener más información sobre la medalla. ¿Es posible que su visita desencadenara los acontecimientos que condujeron a su muerte?

El sexto: La sombra de la sirena (Sjöjungfrun, 2008), ed. Maeva

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/la-sombra-de-la-sirena

  • Christian Thydell, el apacible bibliotecario de Fjällbacka, que acaba de publicar su primera novela, La sombra de la sirena, es víctima de un macabro chantaje. Cuando su amigo Magnus aparece muerto bajo el hielo, Patrik Hedström se da cuenta de que ambos sucesos están relacionados y empieza a desentramar un turbio drama familiar. Su mujer, la exitosa escritora Erica Falck, en avanzado estado de gestación, lo ayudará a esclarecer el trágico misterio de la sirena.

El séptimo: Los vigilantes del faro (Fyrvaktaren, 2009), ed. Maeva

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/los-vigilantes-del-faro

  • Desde que Patrik se ha reincorporado al trabajo, Erica se dedica de lleno a sus gemelos, que nacieron prematuros. Apenas tiene tiempo para ir a visitar a Annie Wester, una compañera de instituto que acaba de regresar a Fjällbacka después de muchos años. Junto con su hijo Sam, Annie se ha instalado en el faro abandonado de la isla de Gråskär, propiedad de su familia. A pesar de los rumores que circulan por el pueblo sobre la leyenda de la «isla de los espíritus», en la que los muertos vagan libremente, no parecen importarle las voces extrañas que oye por la noche. Además, su antiguo novio Matte Sverin, quien también ha pasado unos años en Estocolmo y acaba de empezar a trabajar en el Ayuntamiento de Fjällbacka, aparece asesinado. Annie es la última persona que lo ve con vida. Estos sucesos le depararán a Patrik y a su eficaz colaboradora Paula muchos quebraderos de cabeza. Por su parte, Erica, que realiza su propia investigación en paralelo, conseguirá atar algunos cabos sueltos que serán de gran ayuda para la resolución del caso.

El octavo: La mirada de los ángeles (Änglamakerskan, 2011), ed. Maeva

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Reseña de: http://www.laprincesadehielo.es/la-mirada-de-los-angeles

  • Tras la muerte accidental de su hijo pequeño, Ebba y Mårten se trasladan a la isla de Valö para rehacer su vida. Ahí, se instalan en una granja en la que vivió la familia de Ebba hace muchos años. Pero la tragedia los sigue acechando, y un incendio, a todas luces provocado, saca a relucir la historia siniestra que pesa sobre la granja. Hace treinta años toda la familia de Ebba desapareció sin dejar rastro. Solo se salvó ella, entonces un bebé de un año, a quien encontraron sola en la casa. Desde ese momento, recibe una misteriosa felicitación el día de su cumpleaños, armada con una simple G… Patrik abre una investigación, y Erica, siempre en busca de material narrativo, empieza a tirar del hilo de la historia de la granja por su cuenta. Un acto impulsivo de Anna, la hermana de Erica, aún afectada por la pérdida del bebé que esperaba, revelará la verdad de golpe.

El noveno: The Lion Tamer (Lejontämjaren, 2014)

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Reseña de: http://www.nordinagency.se/portfolio-item/lejontamjaren-the-lion-tamer/

  • Es enero y Fjällbacka está increíblemente frío. Una chica medio desnuda anda a la deriva por el bosque lleno de nieve y sale a la carretera. De repente aparece un auto de la nada, que no tiene tiempo de virar. Para cuando Patrik y su equipo reciben la notificación del accidente, la chica ya ha sido identificada. Ella fue reportada como desaparecida cuatro meses antes cuando iba camino a su casa de la escuela de equitación local, y no había sido vista desde entonces. Su cuerpo revela señales de inimaginables atrocidades y hay una posibilidad de que ella no sea ni la única ni la última víctima. Mientras tanto, Erica está investigando una tragedia familiar que la conduce a la muerte de un hombre. Ella paga incontables visitas a su esposa, que fue condenada por el asesinato, sin ser capaz de encontrar lo que realmente pasó. ¿Qué oculta la mujer? Erica sospecha que algo anda mal. Parece ser que la sombra del pasado envuelve de nuevo al presente.

Espero que esta nota les haya generado curiosidad y deseen leer sobre esta serie inmediatamente. Realmente se las recomiendo muchísimo. Yo apenas voy en el cuarto libro y tengo que decir que mi favorito hasta ahora ha sido el tercero, Las hijas del frío, pero los demás no se quedan atrás. En realidad todas las novelas de la exitosa saga son fascinantes y te cautivan desde las primeras páginas. No se pierdan la oportunidad de leerla. Porque desde que Agatha Christie cautivó a los lectores a principios del siglo XX, no había habido una escritora tan buena que se le comparara dentro de la Novela Negra, y a mí me parece que Camilla Läckberg es por mucho tan buena como Christie. La van a amar, se los prometo.

Nos vemos.

Saludos y feliz año 🙂

Ery Falco